1. 모나리자

(c. 1503–19)
세계에서 가장 유명한 미술품인 '모나리자'는 루브르 미술관에 매일 수천 명의 방문객을 모아 그 신비한 눈빛과 수수께끼로 미소가 감상자의 마음을 빼앗고 있습니다.
얇은 베일을 쓰고 수수한 색채로 몸을 감싸고 보석을 착용하지 않는 젊은 여성의 초상화는 겉으로보기에는 아무런 변화가 없어 보입니다. 그러나, 보는 사람을 당황하게 하는 효과를 동시에 가지고 있는 것도 확실합니다.
이 그림을 실제로 본 사람이 입을 모아서 말하는 것은 "의외로 작았다"는 것입니다.
실제로, 세계 제일 유명한 작품을 보기 위해 밀어 온 군집과 비교하면 상당히 작아 보입니다. 그러나 그 작은 화면에 레오나르도의 드문 재능이 나타나는 것도 확실히 느껴질 것입니다.

피사체의 얼굴은 부드럽게 그려져 있으며, 스푸마트(선이 아니라 빛과 그림자의 미묘한 그라데이션으로 모양을 표현하는 예술 기법)을 능숙하게 조종하고 있는 것을 알 수 있습니다.
또, 섬세하게 그려진 베일, 세세하게 짠 머리카락, 접힌 천의 정중한 표현으로부터는, 레오나르도의 관찰을 재현하기 위한 끊임없는 인내력이 느껴집니다.
게다가 피사체의 조금 당황한 것처럼 보이는 표정이 현실을 더욱 높여줍니다. 그녀의 미소는 매력적인 것인지 아니면 조소적인 것인지, 인간처럼 상반되는 특성을 동시에 구현하는 복잡한 인물이기 때문에 감상자에게는 잘 모르는 것입니다.

2. 마지막 만찬

(c. 1495-98)
세계에서 가장 유명한 회화 중 하나인 '마지막 만찬'은 밀라노 공작 르드비코 스포르차가 도미니코 회 수도원의 산타 마리아 델레 그라치에 교회에 주문한 것입니다.
이 교회는 레오나르도의 첫 번째 체류지였던 밀라노의 후원자이기도 했습니다.

마태복음에서는 예수께서 사도 중 한 사람이 배신할 것을 선포하고 성배를 주는 장면이 그려져 있으며, 이 벽화에서 배신의 장면은 연속적인 이야기로 그려져 있습니다.
사람의 성격이 자세나 표정, 시구사에 나타나는 것에 흥미를 가진 레오나르도는, 예수로부터의 선언에 대한 제자들의 반응을 각각 표정 풍부하고 몸짓 풍부하게 그려 나누고 있습니다.
사도들의 자세는 위아래로, 늘어나고, 얽히면서, 중앙에 조용히 앉아 있는 예수님을 중심으로, 속삭임, 외침, 한탄, 논의하는 것처럼 보입니다.
템페라나 유화구를 바탕에 2회 겹쳐 바르는 실험적인 화법이었기 때문에, 완성 후 바로 화면이 박리되어 버렸습니다. 현재는 수리가 이루어져 견고한 내구성을 획득하고 있습니다.

3. 위틀위우스적 인체도

레오나르도의 드로잉 '위틀위우스적 인체도'는 그가 장년기에 수중에 둔 많은 노트 중 한 권에 그려져 있던 것입니다.
거기에는 기원전 1세기에 로마 건축가 위틀위우스가 건축에 관한 책으로 나타낸 인간의 이상적인 비율에 대해 거울 문자로 쓰여진 메모가 붙어 있습니다.
이 그림은 위틀위우스가 “이상적인 인간은 원과 사각형이라는 어울리지 않는 형태 안에 들어간다”고 설교한 것을 보여줍니다.
거기서 레오나르도는, 양손을 펼쳐 정사각형에 들어가게 한 남성과, 양 다리를 넓혀 원에 들어가게 한 남성의 2개의 모습을 거듭해 그린 것입니다.
이 작품은 중요한 텍스트를 이해하려는 노력뿐만 아니라 그것을 더욱 발전시키려는 의욕도 느껴집니다.
위틀위우스의 개념을 그린 것은 레오나르도가 처음은 아니지만, 수학, 철학, 예술의 융합이 르네상스의 상징으로 어울리기도 하고, 나중에 르네상스기라는 시대를 대표하는 가장 상징적인 그림이 되었습니다. 이 드로잉은 현재 베네치아의 아카데미아 미술관에 보관되어 있지만 일반적으로 전시되지 않고 에어컨 관리 아카이브에 보관됩니다.

4. 자화상

(c. 1490/1515–16)
긴 웨이브가 걸린 머리카락과 수염을 낳은 노인의 붉은 초크화는 오랫동안 자화상으로 간주되어 왔기 때문에 많은 사람들이 레오나르도라고 하면 이 그림을 떠올리게 됩니다.
그러나 눈부신 얼굴에 눈썹을 찌푸리고 우울한 눈을 가진 이 인물은 레오나르도가 67세에 몰린 나이보다 훨씬 늙어 보인다고 주장하는 학자도 있는 것 같습니다.
이 초상화는 그가 언제나 노트에 그렸던 그로테스크한 인물의 스케치 중 하나가 아닌가 하는 것입니다.
어쨌든,이 초상화는 다른 레오나르도의 아름다운 회화와는 획일적이며 화가의 장년기의 고상함과 지혜를 느끼게하는 것 같습니다.

5. 암굴의 성모

(c. 1483-86)
루브르 미술관에 있는 《암굴의 성모》는 헤롯의 '무죄의 백성의 학살'에서 이집트로 도망친 성가족과 세례자 요한이 만난다는 묵시록의 전설을 그린 두 장의 그림 중 하나이다. 그리고 많은 학자가 생각합니다.
이 작품을 의뢰한 무원죄의 성모 교회와의 오랜 소송이 있으며, 그 결과 레오나르도는 1508년경에 다른 버전의 작품을 그려 현재는 런던 내셔널 갤러리에 소장되어 있습니다.

이 첫 번째 그림은 레오나르도가 르네상스 황금기의 도래를 알리는 것으로 알려져 있습니다.
이 시대의 그림은 인물을 선형으로 배치하고 서로 분리하고 단단한 조형으로 그리는 것이 일반적이었습니다.
그러나《암굴의 성모》에서는, 성모 마리아, 그리스도의 아들, 유아 요한, 대천사가 피라미드형에 배치되어, 공간을 차지할 뿐만 아니라, 몸짓이나 시선을 교제하고 있습니다.
젊은 날 마리아는 르네상스 초기 회화에 많이 그려진 왕좌가 아니라 신비한 바위 땅에 앉아 있습니다.
왼쪽에 무릎을 꿇고 기도하는 어린 아이 요한을 지키도록 목을 기울이고, 오른쪽 어린 아이 그리스도에게 달래는 것처럼 그녀의 몸은 흔들리는 것 같습니다.
대천사는 복잡한 포즈로 요한을 가리키며, 보는 자 쪽을 깜박이면서 예수님이 요한을 축복하고 있습니다. 또한 레오나르도는 마리아와 그리스도에게는 광륜, 요한에게는 지팡이라는 전통적인 거룩한 상징을 배제하고, 성가족이 신성하지 않고, 보다 인간적으로 보이도록 고안하고 있습니다.

6. 여성의 머리

1500–10
페인팅의 작은 작품입니다.
목을 긁고 눈을 감은 젊은 여자가 그려져 있습니다. 그 모습은 레오나르도의 《암굴의 성모》에 그려진 성모 마리아를 연상시켜, 같은 여성이 모델이 되었을 가능성이 있다고 생각됩니다.
이 그림의 애칭인 'La scapigliata'는 '안심'으로 번역되어 젊은 여성의 머리카락이 흐트러지는 것을 의미합니다.
머리카락의 뭉치나 어깨는 완만하게 그려져 있습니다만, 얼굴은 완성도가 높고, 무거운 눈꺼풀부터 부드러운 입술까지, 여성의 섬세한 얼굴 서를 부드럽게 모델링하고 있습니다.
이 작품에서는 표현력이 풍부한 스트로크로 윤곽을 만들어 신중하게 컨트롤된 묘사로 세부를 표현하는 레오나르도의 탁월한 기술을 볼 수 있습니다.

7. 백숙을 안는 귀부인

(c. 1489 - 1491)
《백숙을 안는 귀부인》에 그려져 있는 젊은 여성은, 레오나르도의 패트론인 밀라노 공도르비코·스포르차의 애인, 세실리아·갈레라니라고 하는 미술사가가 많다.
白貂은 공작의 문장으로 자주 사용되었습니다.
여자는 오른쪽을 향하고 그 빛나는 눈동자는 프레임 밖의 무언가를 향해 보인다.
이 그림은 배경을 어둡게 하는 등 꽤 붓을 거듭하고 있습니다만, 그래도 레오나르도의 해부학적 지식과 자세나 표정 등의 인물 표현력이 잘 나타나고 있다고 할 수 있습니다.
깨끗한 표정, 주의깊은 시선, 그리고 당당히 목을 긁고 경계하고 있는 백숙을 부드럽게 안는 모습은, 귀부인의 젊음과 기분의 좋은 점을 나타내고 있습니다.
그녀의 얇은 손은 피부 아래의 복잡한 골격을 보여주며, 오코 조의 머리는 정교하게 그려진 모피 아래의 두개골을 느낄 수있는 것 같습니다.

8. 살바도르 문디

(c. 1500)
2017년 살바토르 문디(1500년경 '세계의 구세주') 초상화가 경매에서 4억 530만 달러라는 기록적인 가격으로 낙찰되어 큰 화제가 되었습니다.
살바토르 문디는 상태가 나쁘고 진정성이 의심스럽고, 그 진정성이 학자와 평론가들 사이에서 논의의 대상이 되었다는 점을 감안할 때 이 높은 가치에 더욱 놀라게 됩니다.
많은 독자들이 예수의 얼굴을 표현하는 기술의 낮음, 르네상스기의 거장의 특징인 몸을 비틀어주는 포즈와는 전혀 다른 단단한 자세, 설득력이 없는 유리구의 표현, 만약 굳으면 소유자 왜곡되어 비칠 것이다 레오나르도가 알고 있던 광학 트릭 등을 지적하고 있습니다.
그러나 출품한 크리스티즈는 이런 비판을 일축하고, 손수의 나쁨은 전세기의 대수복의 결과이며, 예수의 오른손의 부드러운 조형이나 타이트 컬의 섬세함 등은 레오나르도의 기법과 유사하다 라고 말했습니다.
또한 보존 수리사는 이 그림이 레오나르도와 같은 재료로 그려져 있음을 확인했다고 한다.
진지함에 관계없이,이 작품에 대한 관심과 경매에서 고액의 낙찰액은 레오나르도의 불멸의 명성과 사후 5 세기 미술사에서 그의 강력한 지위를 증명하는 것이 확실합니다. 생강.

9. 지네브라 데 벤치의 초상

(c. 1474/78)
워싱턴 DC의 내셔널 갤러리에 전시된 지네브라 드 벤치의 초상은 서반구에 상설 전시된 레오나르도의 유일한 그림입니다.
이 작품은 레오나르도가 20대 초반에 완성시킨 초기 작품이며, 그가 그 경력을 통해서 이용하게 되는 격파적인 수법의 일단을 엿볼 수 있습니다.
북유럽 화가들에게 영향을 받은 레오나르도는 전통에 얽매이지 않고 장엄한 젊은 여성을 평범한 옆모습이 아니라 4분의 3의 위치에서 본 포즈로 그려 놓고 이런 구도를 그렸다. 최초의 이탈리아인 화가였던 것으로 생각됩니다.
그 후, 모나리자를 포함한 모든 초상화에 4분의 3상이 채용되어 초상화의 표준이 되어, 오늘도 당연히 사용되고 있습니다.
또한 페인트의 표면에 지문이 남아 있기 때문에 레오나르도는 여전히 페인트가 단단했을 때 손가락을 사용하여 그린 가능성도 지적되고 있습니다.

이면에는 월계수와 棕櫚의 화환이 주니퍼(이탈리아어로 지네프로)의 나뭇가지를 둘러싸고, 「미는 덕을 장식한다」라고 쓰여진 라틴어의 두루마리가 각각의 식물에 얽혀 있습니다.
뒷면은 잘린 것 같은 형태를 하고 있어 물이나 불에 의한 피해로 그림의 하단이 절단되었을 가능성도 생각되고 있습니다.
이면의 초상화에는 지네브라의 손이 그려져 있었던 것이 아닐까 추측하는 학자도 있어, 윈저성에 소장되고 있는 실버 포인트의 팔과 손의 습작이 밑그림으로서 사용되었을 가능성도 있을 것 같습니다 .

10. 세인트 안나와 성모자

(c. 1503–19)
《성 안나와 성모자》는 레오나르도의 마지막 작품으로 되어 있습니다.
이 작품은 성 안나, 그 딸인 성모 마리아, 그리고 어린아이라는 3세대 성가족을 레오나르도가 지금까지 확립해 온 정형 표현으로 그린 것으로 간주되는 것이 보통입니다.
피라미드형 구도의 정점에 서 있는 안네는 무릎에 앉아 있는 마리아를 바라보고 성모가 어린 양을 타는 그리스도를 부드럽게 제지하고 있습니다.
《암굴의 성모》로 그려진 모르는 유아 레오나르도와는 대조적으로, 《성모자와 안느》의 그리스도상은 순진하고, 장난스러운 어린아이를 보여 어머니의 시선을 받아들이면서 신뢰로 가득 표정을 하고 있는 것처럼 보입니다.
친밀감을 느끼게 하는 인물끼리의 상호작용은 설득력 있는 인간관계를 표현하는 레오나르도의 역량을 나타냅니다.

또, 3차원의 공간을 2차원으로 표현하는 것에 평생 구애된 레오나르도의 자세 이제(벌써) 갈 수 있습니다.
또한 많은 작품에서 볼 수 있듯이 환상적인 풍경 속에 인물을 배치한 작품이기도 합니다. 그는 '회화론' 속에서 '공기 원근법'이라는 기법을 이용하여 배경의 이와야마가 앞의 풍경보다 푸르게 보이도록 그려 거리감을 표현하고 있습니다.
《모나리자》나 《암굴의 성모》 등, 초기 작품의 풍경화의 대부분에 이 기법이 이용되고 있습니다.