꽃의 그림, 뉴욕의 도시화, 뉴멕시코 산의 풍경화로 잘 알려진 조지아 오키프(Georgia O'Keefe)는 20세기 미국에서 활약한 아티스트입니다.
20세기 초, 오키프는 당시에는 드문 여성 아티스트로서 아메리칸 모더니즘의 최전선에 서서 그 대표적인 인물로 평가되었습니다.
화려한 꽃을 크게 확대해 추상화와 같이 보이는 꽃의 그림이나, 만년에 임한 뉴멕시코의 풍경화 등으로 알려져 있습니다.
이번에는 오키프의 삶과 그녀가 현대 미술에 미친 큰 영향을 살펴 보겠습니다.
《레드 칸나》 1924년
조지아 오키프의 기본 정보
생몰 : 1887년 11월 15일 ~ 1986년 3월 6일(98세에 몰)
출신 : 미국, 위스콘신 주 예술 운동 : 아메리칸 모더니즘, 프레시 조니즘 교육 : 시카고 미술관 부속 미술 대학, 아트 스튜던츠 리그 오브 뉴욕, 컬럼비아 대학 관련 인물 : 알프레드 스티그리츠 (남편, 미국 대표) 사진가·아트딜러)
조지 아오키프의 삶
조지아 오키프는 1887년 미국 5대 호수 중 하나인 미시간 호수와 가까운 거리인 선 프레리(Sun Prairie)의 농가로 태어났습니다.
오키프 집은 일곱 형제였고 조지아는 위에서 두 번째 아이였습니다.
오키프는 매우 조숙한 예술에 있어서의 재능을 나타낸 것으로 알려져 있어 10세라는 어린 시절로 화가가 되기를 결의. 자매의 이다와 아니타와 함께, 현지의 사라 맨이라는 수채화 화가에 사사하기 시작했습니다.
시카고 미술 학교, 아트 스튜던트 리그 입학
1905년 8세 때 시카고 미술관 부속 미술학교에 입학했습니다. 거기에서는, 항상 클래스 톱의 평가를 얻고 있었다고 합니다.
장티푸스를 위해 1906년부터 7년까지 휴학하고, 1907년에는 뉴욕의 맨해튼에 있는 아트 스튜던츠 리그에 입학합니다.
1908년에는 아트 스튜던트 리그에서 《동 냄비를 가진 죽은 토끼》라는 작품으로 정물화상을 수상하고 있습니다.
이 수상의 부상으로서 뉴욕에 여행해, 장래의 남편인 알프레드·스티그리츠가 공동 운영하고 있던 아트 갤러리 「291」등을 견학했습니다.
《죽은 토끼와 구리냄비》 1908년
일러스트 레이터가 된 후 미술 교사에게
부모님의 비즈니스나 건강의 불행에 의해 예술대학에서의 배우기를 계속하기 위한 자금이 없어져 버린 오키프는, 1908년에 학교를 그만두고, 프로의 일러스트레이터로서 일하기 시작합니다.
1910년까지 일해, 그 후 홍역에 걸리거나 등도 있어도, 같은 해에 가족으로 버지니아주의 샬롯빌로 이사했습니다.
요즘은 4년간 정도 유화를 중단하고 있어, 후에 「텔레핀유의 냄새로 기분이 나빠진다」라고 말하고 있었다고 합니다.
이 땅에서 버지니아 대학의 아트코스 서머 스쿨에 참가한 오키프는 아서 웨슬리 다우라는 화가의 양식에 접해 신선함에 충격을 받았습니다.
그의 스타일은 당시 파리의 미술계를 석권하고 있던 일본 미술에 영향을 받은 디자인성이 높은 것으로, 오키프는 지금까지의 전통적인 사실화로부터 보다 평면적인 구성을 실험하기 시작했습니다 .
1912년부터 14년 사이에 텍사스주의 아마릴로에서 미술 수업을 갖고 교사로 일했습니다.
《무제(버지니아 대학의 로탄다)》 1912 - 1914년
콜롬비아 시대의 추상 드로잉
1915년 오키프는 컬럼비아 대학의 예술 과정에서 가르쳤다.
요즈음 다루고 있던 목탄 그림은 그녀 자신의 내적인 감정을 형태로 한 것으로, 독창적인 표현을 보이기 시작하고 있습니다.
이 그림은 오키프의 친구에게 보내졌고 결국 291 갤러리의 스티그리츠의 눈에 멈췄습니다.
그는 오키프의 작품을 "여기 잠시 291에서 본 가장 순수하고 아름답고 진지한 것"이라고 극찬했고, 1916년 4월에는 291갤러리에서 오키프의 드로잉 10장이 전시되었다.
《드로잉 13》1915년｜메트로폴리탄 미술관 소장
추상화이며 동시에 풍경화라는 독창성
콜롬비아에서 일을 마친 후 텍사스로 옮겼습니다.
일몰과 새벽을 좋아했던 오키프는 산책으로 보이던 풍경을 그리기 시작합니다. 그것이 팔로 듀로 캐년의 연작입니다. 날이 올라갈 때와 날이 가라앉을 때 드라마틱한 대비가 탄생합니다.
어둠에 싸인 풍경의 색채와, 빛나는 태양의 빛이, 선명한 색채로 표현되고 있는 수작의 시리즈입니다.
오키프는 타블로를 그리기 시작하기 전에 스케치를 거기까지 만들지 않았습니다. 오히려, 그려가는 중에서의 즉흥적인 일에 흥미를 가지고 있었던 것입니다.
《붉은 풍경》 1916-1917년 | 팬 핸들 역사 박물관
그녀의 일은 "추상화이면서 동시에 풍경화이다"라는 점에 독창성이 있습니다.
팔로 듀로 캐년에서의 연작을 비롯해 오키프는 자신의 감정적인 부분을 풍경을 심플하게 그려서 어떻게 표현하는가 하는 방법을 모색하고 있었습니다.
《지평선에 떠오르는 빛》이라는 수채화 시리즈를 그렸을 때, 그녀는 자신의 표현하고 싶은 것을 가장 심플하게 표현할 수 있었다고 확신했습니다.
이러한 추상과 구상의 융합은 오키프의 최대의 특징으로 진화해 나가지만, 스티구리츠와의 관계를 깊게 해 간 그녀는 수채화를 사용하는 것을 그만두도록 권유됩니다.
당시의 미술계에서는 수채화 물감은 아마추어 여성 화가가 사용하는 것이라는 상식이 있었기 때문이었습니다.
이 이후, 오키프는 유화구를 사용한 타블로를 제작하게 됩니다.
《지평선으로 떠오르는 빛》 1917년
스티그리츠와의 뉴욕 시대
1918년, 오키프보다 24세 더 오래된 스티그리츠는 그녀에게 자금 지원과 뉴욕의 거주지를 제공했다.
스티그리츠와 서서히 사이를 깊게 해 온 오키프는, 그 주위의 다양한 화가나 사진가와도 교류를 시작했습니다.
그 중에는 사진가의 폴 스트랜드 등도 있어 스티그리츠 자신의 사진과 함께 그녀에게 큰 영향을 준 것으로 생각되고 있습니다.
폴 스트랜드 《월 스트리트》 1915년
알프레드 스티그리츠《조타》1907년｜메트로폴리탄 미술관
자연을 테마로 한 간단한 추상화
요즘부터 오키프는 꽃, 잎, 바위 등을 모티브로, 기하학적 형태와도 취할 수있는 그림을 제작하기 시작했습니다.
1922년에 그려진《푸른 사과》는 그 중에서도 대표적인 작품입니다.
이 작품을 그렸을 무렵, 오키프는 다음과 같이 말했습니다.
"사물의 진정한 의미에 도달하는 것은 선택과 지우기와 강조에 의해서만이다"
또한 《파랑과 초록의 음악》도 자연의 모티브를 기하학적 요소로 환원하여 그린 대표적인 작품입니다.
《파랑과 초록의 음악》 1921년
오키프의 대명사·꽃의 회화의 시대
오키프는 평생 약 200장 정도의 「꽃의 그림」을 그려 그녀의 대표작이 되고 있습니다.
거기에서는, 마치 확대 렌즈를 통해서 볼 수 있듯이, 거대한 캔버스의 화면을 돌출할 정도의 스케일로 원래는 작은 꽃의 내부가 그려져 있습니다.
이 특징을 잘 나타내고 있는 것은 《오니게시》와 《레드 칸나》의 시리즈입니다.
피처럼 붉은 색채가 한눈에 감상자에게 인상하는 이러한 작품은 꽃의 생명감과, 단지 아름다운 뿐만이 아닌 어떤 종류의 생명의 두려움조차도 느끼게 합니다.
《오니게시》 1928년
《레드 칸나》 1927년
오키프 회화에서 볼 수 있는 여성성과 특수성
폴 로젠펠드는 1922년 “오키프의 작품은 여성성에 관여하고 있다”고 비평했다.
그녀의, 특히 꽃의 회화에서 보이는 색채와 형태는 여성기를 연상시키는 것으로 알려져 있습니다.
오키프의 회화가 여성성을 은유하고 있다는 견해는 정식화되고 있습니다만, 오키프 본인은 일관되게 그러한 의미를 거부하고 있었습니다.
그러나 작품의 의미를 다루는 논의는 놓아도, 오키프의 작품의 가치는 끊임없이 상승하고 있습니다.
2014년 11월, 《짐슨 위드 No.1》은 4400만 달러(당시의 환율로 약 46억 6천만엔)로 낙찰되었습니다.
이 가격은 지금까지 여성 아티스트의 작품 가격의 3배 이상의 가격이며, 오키프 평가의 높이를 엿볼 수 있습니다.
《짐슨 위드》 1936년
오키프가 그린 뉴욕의 마천루
1925년 뉴욕 맨해튼의 쉘튼 호텔의 30층 거실로 이주한 오키프는 초고층 빌딩과 마천루를 모티브로 그림을 그리기 시작했습니다.
《라디에이터 빌딩》은 그 중에서도, 가장 오키프의 페인팅 기술과 단순화의 기하학을 엿볼 수 있는 작품이지요.
라이트 업되는 쉘튼 호텔과 빌딩의 틈을 꿰매도록 달리는 고속도로가 비춰져 환상적인 분위기를 자아내고 있습니다.
오키프 독자적인 비비드한 색채는 보이면서도, 야경이라고 하는 장면에 맞추어 억제된 색수가 매우 인기가 높은 작품입니다.
《라디에이터 빌딩》 1927년
뉴멕시코, 신천지에서의 원숙기
1929년, 친구인 레베카 스트랜드와 함께 뉴멕시코의 타오스를 방문한 오키프는 거대한 영감을 받았습니다.
타오스에서는 당시 여성 예술가에게 적극적으로 지원을 하고 있던 메이벨 루한의 근원에 머물렀습니다.
머무는 곳의 집에서 바라볼 수 있었던 타오스 산의 풍경과, 울퉁불퉁한 거친 바위가 눈에 띄는 자연의 소박함을 느끼게 하는 풍경 속에서, 오키프는 스케치와 취재를 계속했습니다.
오키프 소골 그림
그 다음 매년처럼 일년 중 일부를 뉴멕시코에서 보내게 된 오키프는 산책이나 취재 때 길가에 떨어지고 있던 뼈와 돌을 모집했습니다.
이러한 모티브는 생명의 죽음을 테마로 한 일련의 뼈의 회화 시리즈로 연결되어갑니다.
황야에서의 산책은 좋아하는 포드 A에서 드라이브했다고합니다.
오키프는 뉴 멕시코의 땅을 특히 좋아하는 사람으로, 친구에게 말한 바에 따르면
「정말 아름답고, 미답의, 어딘가 외로운 느낌이 드는 장소인 것. 바로 「멀리의 장소」라고 해야 한다.
소의 두개골을 모티브로 한 회화는 요즘과 1930년 후반 이후에 그려졌습니다.
1932년부터 30년대 후반까지는 정신적인 문제로 제작이 중단되었습니다. 그것은 남편 알프레드의 사정으로 인한 것으로 알려져 있습니다.
그러나, 1936년에는 다시 제작을 재개, 아마 오키프의 작품 중에서도 가장 잘 알려진 것의 하나《여름의 날》등이 그려졌습니다.
이 작품은 마치 초현실주의처럼 소의 두개골이 공중에 떠 있고 뉴 멕시코의 붉은 흙으로 만들어진 산맥과 수평선이 보입니다.
어딘가 그리움과 귀여움을 유지하면서도, 분명히 꽃의 회화의 시대와는 다른 「죽음」이나 그 「도움」을 보다 전면에 느끼게 하는 화면 구성으로 되어 있습니다.
《여름의 날》 1936년
하와이, 파인애플에 작품 제공
미국 내에서 가장 역사가 있다고 하는 광고 대행사, NW Ayer & Son으로부터 협업의 의뢰를 받은 오키프는, 이것을 쾌락합니다.
과거에 NW Ayer & Son과 협동한 적이 있는 아티스트에는 이삼 노구치 등도 포함되어 있었습니다.
이 기획으로 하와이로 여행한 오키프는 오아후, 마우이, 카우아이, 하와이 본섬 등의 땅에서 9주간 체류했습니다.
특히 마우이 섬에서는 완전히 자유로운 시간이 주어졌기 때문에 마음껏 제작을 위한 취재에 집중할 수 있었다고 합니다.
이때 취재를 바탕으로 뉴욕으로 돌아온 후, 오키프는 20장의 관능적이고 왕래한 식물의 회화를 마무리했습니다.
《파인애플의 싹》 1939년
미국 전역에서 회고전 개최
1940년대가 되면 시카고 미술관, 뉴욕 근대 미술관(MoMA)에서 회고전이 진행됩니다.
1946년에 개최된 뉴욕 근대 미술관에서의 개인전은, 당관에서 개인전을 개최한 최초의 여성 아티스트가 되었습니다.
검은 땅과 흰색 땅의 그림
회고전 전후, 오키프는《검은 토지》,《흰 토지》의 시리즈를 시작합니다.
오키프에 의하면, 검은 토지는 "마일이 많은 코끼리의 등과 하얀 모래가 달린 발바닥처럼"였던 것 같습니다.
뉴멕시코, 아비큐(Abiquiú)의 땅에서는 하얗게 자르는 절벽을 모티브로 하고 있었습니다.
블랙 그레이 화이트 무채색 시리즈라고도 부를 수 있는 이 시기의 회화는 보다 추상도를 늘리고 있습니다.
"검은 토지 II"1942년 | 메트로폴리탄 미술관 소장
《검은 땅, 회색과 핑크》 1949년
《흰 토지》 1941년
오키프의 만년
오키프는 만년에는 하늘로 이어지는 사다리를 모티브로 한 상징적인 그림과 구름 위에서 구름을 내려다 보는 부유감있는 이상한 그림을 그렸습니다.
이것들은, 지금까지의 추상적이면서도 어디까지나 관찰에 충실하게 그려진 스타일로부터 일탈해, 상상력에 맡긴 화면 구성을 도입하고 있습니다.
숙년을 지나, 만년에 접하고 있던 중에서도, 새로운 제작의 방법을 계속 모색한 오키프의 탐욕을 알 수 있습니다.
《달에의 사다리》 1958년
《구름 위의 풍경 IV》 1965년
60년대부터 70년대에 걸쳐 우스터 미술관과 휘트니 미술관에서도 회고전이 개최됩니다.
휘트니 미술관에서는 그녀의 작품이 게재된 카탈로그를 발행하고 있습니다.
1970년대, 1984년 최저년까지 오키프는 연필과 목탄, 수채화 등으로 제작을 계속했습니다.
오키프 평가 방법
페미니스트로서의 평가
페미니스트 운동을 추진한 아티스트의 주디 시카고는 자신의 "The Dinner Party"(1979년) 중 여성 아티스트의 역사를 되돌아 보았습니다. 역사에 처음으로 반입한 인물”로서 특별한 강조를 했습니다.
그러나 오키프 자신은 페미니스트와 그 관념을 추진하는 아티스트, "여성 아티스트"라고 불리는 것을 기피했습니다.
그녀는 오히려 단순히 "아티스트"라고 불리는 것을 선호했습니다.
꽃 그림의 은유성
오키프 꽃 회화의 시리즈는 여성기의 외음부를 상징하고 있다는 지적이 처음부터되었습니다.
아트 딜러의 사무엘 쿠츠는 그녀의 작품에서 성적 표현을 문제시했다.
그러나 이것에 대해서도 오키프 자신의 입장으로서는 회화와 거기에 관련이 없다는 점을 관철하고 있었습니다.
오키프는 “내 그림에 에로틱한 테마를 읽는 사람은 오히려 자신의 욕망을 읽고 있을 뿐”이라고 주장했다.
조지아 오키프와 관련된 아티스트 소개
Muriel Napoli
Nature 133 by Muriel Napoli
Mukhamadeyeva Zulfiya
Admiration by Mukhamadeyeva Zulfiya
조하심
Poppies keep blooming by Jooha Sim
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