요즘의 비즈니스 씬으로 화제가 되고 있는 「아트 사고」 . 아티스트가 작품을 만들 때의 사고법을 비즈니스에도 활용하자는 발상입니다만, 실제로 평가되고 있는 아티스트들은 어떤 경위나 동기로 작품 제작을 하고 있는 것일까요?
이번에는, 친숙한 아티스트로부터 일본에서는 그다지 이름을 듣지 않지만 세계적으로는 평가가 높은 아티스트를 포함해, 십인십색의 아트 사고법을 실제의 작품에 맞추어 봅시다!
마르셀 듀샨
《샘》｜1917
"현대 미술"의 창시자로 유명한 마르셀 듀샨 (1887 - 1968)의 작품. 이 작품은 레이디 메이드 (기성품) 예술의 대표작으로 유명합니다.
자기의 남성용 소변기에 「R.Mutt」라고 서명하는 것으로, 기제품도 작품이라고 부를 수 있다고 주장한 것입니다. 당시에는 많은 반감을 샀습니다만, 현재는 예술의 개념이나 제도 자체를 재검토하는 기념비적 작품으로서, 현대 아트의 출발점으로 간주되는 경우가 많은 작품입니다. 예술 작품이란, 원래부터 회화이기 때문에 예술 작품이거나, 전통적인 의미로 아름답기 때문에 예술 작품인 것은 아니다라는 '예술 개념'의 읽어들이기를 요구하는 것이라고도 말할 수 있습니다.
여기에서 볼 수 있는 미술사고는 기존의 개념을 재구성 함으로써 그 가능성을 확장하는 것이라고 말할 수 있습니다. 그러나, 그것에 아무래도 근본적인 것이, 일반적인 가치관에 있어서의 「열악하다」 「더러운」 「정말은 아니다」라고 하는 평가일 것입니다. 거기에 어떻게 대답해 가는지, 혹은 대답하는 것이 아니라, 「으~무과할 정도」라고 삼켜버리는 것인가. 이러한 게임은 일상적으로 현대 예술의 장소에서 행해지고 있습니다만, 이 논의의 틀을 자신의 분야에 맞추는 것으로, 자신도 생각한 적이 없는 것을 발상할 수 있게 될지도 모릅니다 아니.
덧붙여 본작은 듀샨의 작이라고 역사적으로 말해져 왔습니다만, 듀샨의 레이디메이드 작품의 대부분은 현재의 연구에 의하면 독일의 전위에서 다다이스트의 예술가·시인의 여성, 엘자·폰·프라이타크 = 롤링 호펜(Elsa von Freytag-Loringhoven)이 제작한 것으로 알려져 있습니다.
도널드 자드
《무제》｜1967
도널드 재드 (1928-1994)는 20 세기 미국에서 활발한 미니멀리즘 이라는 미술 운동을 대표하는 예술가로 유명합니다.
상자가 벽에서 규칙적으로 돌출하고 있는 《무제》라는 작품을 그는 여러 개 제작하고 있습니다. 단순한 상자를 쌓은 것처럼 보이는 본작은 몇 가지 규칙에 따라 제작되고 있습니다. 상자는 합금으로 만들어져 있으며, 측면은 할리 데이비슨의 도장에 사용되는 래커 페인트로 도장되어 상면과 밑면은 박리 금속 표면입니다. 12개의 상자는 각각 9인치 높이로 9인치 간격을 두고 배치되어 있습니다. 또, 쟈드는 수제의 흔적을 싫어했기 때문에, 작품의 오브젝트 자체는 공장에서 생산되고 있었습니다.
이러한 규칙에 필연적이지는 않지만, 특정 규칙을 금욕적으로 따르는 행위로, 쟈드는 예술의 형식주의(형식)를 구현했다. 거기에 시각적인 아름다움을 발견하는 사람도 있다면, 위에서 설명한 프로세스가 단어로 기술되었을 때의 최소한의 감각을 신선하다고 생각하는 사람도 있었을 것입니다. 지금까지의 예술 작품의 다양한 색을 사용하거나 다양한 형태를 사용하는 "예술적인"느낌을 만들어 낸 곳에서 거의 모든 장식을 깎아 내려 최소한의 물체로 대체 이제 새롭게 '예술/아트'를 재정의하게 되었습니다.
마이너스의 작업이, 실은 새로운 창조로 이어질 수도 있는, 그런 일례로 파악하는 것도 가능하겠지요.
앤디 워홀
《캠벨 스프캔》｜1962
팝 아트의 거장으로 유명한 앤디 워홀 은 1961-1962년에 걸쳐 이 작품을 제작했습니다. 실크 스크린이라고 하는 판화 기법의 일종으로 제작된 이 작품은, 표면적으로는 완전히 같은, 캔버스에 캠벨의 토마토 스프캔(당시부터 서민적인 시판 식품이었다)이 그려져 있는 것이 32 늘어서 있습니다. 이러한 방법으로 워홀은 당시 미국의 대중문화와 대량소비사회를 통렬하게 표현하고 있었습니다. 그는 사회를 반드시 비판하고 싶지 않았을지도 모릅니다. 미술사상은, 워홀의 공적은 프린팅(판화)의 예술적 가치 향상과 예술의 대중화라고 하는 경우가 많습니다만, 오히려, 보다 개인적인 동기인 「팝스타가 되고 싶다」 분 하지만 중요한 것일지도 모릅니다. 록밴드 멤버나 배우가 아니더라도 '유명한 현대 아티스트'도 스타의 동료라는 공통 인식의 기반은 워홀의 폭발적인 인기에서 끝을 발했다고 해도 과언이 아닐 것입니다. .
크리스토 & 잔 클로드
《포장된 라이히스타크》｜1995 Photograph: Reinhard Krause/Reuters
이 부부는 '포장 예술' 이라고도 하는 대규모 프로젝트 아트로 유명한 예술가입니다. 1958년, 일용품의 포장으로부터 시작된 이 아이디어는, 점점 거대한 건물(라이히스타크=독일의 베를린에 있는 제국 의회사당), 자연이나 공원의 풍경 전체를 포장하게 되어 갔습니다. 「랜드 아트」라고 하는 틀로 소개되는 일도 많은 예술가입니다만, 본인은 부정하고 있습니다. "작품은 꿈처럼 나타나고 꿈처럼 사라져 관객 밖에 남지 않는다"고 말하는 이 부부는 포장된 건축물을 그대로 두지 않고, 그들의 작품은 기록사진에 의해서만 볼 수 없습니다. 각각의 프로젝트에 걸리는 거액의 비용은, 미술관이나 정부나 기업 등으로부터 일체의 원조를 받지 않고, 프로젝트의 완성을 예상한 드로잉이나 콜라주 작품 등, 크리스토의 손에 의한 오리지날·아트 작품의 판매로 완성되고 있다 네. 부부의 사후에도 유지를 이어받은 재단에 의해 파리의 개선문의 포장이 실현되어 큰 주목을 끌었습니다.
프로젝트를 실시하는 현지 주민 등에서 오는 "이것은 예술인가?"라는 목소리로 여러 번 논쟁이 되고 있으며, 하나하나의 프로젝트는 1960년대의 구상부터 각각의 실현까지 수년부터 수십 년의 시간에 걸쳐 실현되었습니다.
피에르 유이그
《After ALife Ahead》｜2017
피에르 유이그 (1962-)의 작품은 마치 공상과 같은 세계관을 제시합니다. 그러나 그 SF는 Science Fiction이기도 하지만, Speculative Fiction -스펙큘러티브 픽션-으로도 구상되고 있습니다. 그리고 그 작품들은 학습하고 자기 수정하고 진화한다는 지적 생명체와 같은 행동을 가지고 있습니다. 다양한 학문 분야나 아트에 한정되지 않는 공학의 횡단에 의해, 아무도 본 적이 없는 「환경」이 아트로서 제시되고 있는 것입니다.
여기에서 볼 수 있는 예술 사고는 더 이상 기존의 개념 분석이나 재정의와 같은 단어 놀이에는 멈추지 않습니다. 오히려, 인간이 아닌 것에 둘러싸여 있는 우리의 세계에 다시 한번 알아차려 주는 것 같은, 그리고 그 「인간이 아닌 것」을 현대의 다양한 연구와 스킬을 구사해 창조한다고 하는 작품이 되어 있습니다.
마리나 아브라모비치
《Rhythm 0》｜1974
극단적 인 공연 예술로 알려진 마리나 아브라모비치 (1946 -)는 1974 년 뉴욕 갤러리에서 "Rhythm 0"이라는 공연 작품을 발표했습니다. 아티스트 자신은 완전히 수동적인 역할을 맡아 그 옆에 놓인 책상에는 72개의 다양한 아이템과 "감상자는 아티스트에 대해 이러한 도구를 자유롭게 사용해도 좋다"는 단서 가 붙어있었습니다. 6시간 동안 그 공간에서 개체적인 물건으로 행동하고 있던 아브라모비치에, 방문한 관객은 최초로 장미를 건네거나 등하고 있었습니다. 그러나, 가위나 칼, 총과 일발의 탄환등의 위험한 도구도 놓여져 있어 점차 에스컬레이트 해 가는 퍼포먼스는, 한 명의 관객이 무저항의 아티스트에 충전된 총을 향한다고 하는 극점에 까지 도달한 곳에서 끝을 맞이했습니다.
사회실험과 같은 이 전시에서 아티스트는 “사회적 결과가 수반되지 않는 공간에서 인간은 어디까지 잔학할 수 있는지 시험하고 싶었다”고 말합니다.
퍼포마티브 아트 중에서도 사회적·정치적 요소가 강한 그녀의 작품은, 어떤 종류 과격하게도 보이는 그 요소는, 과격하기 때문에 과격한 것이 아니라, 인간의 본질을 낳기 위해서 필요하다 정책이었다고 말할 수 있습니다.
오라파 엘리어슨
《The Weather Project》｜2003
오라퍼 에어리슨 ( 1967- )은 설치 장소에 따라 (사이트 특이한) 설치 작품을 만드는 경우가 많습니다. 자연 현상이나 건축물에 큰 흥미를 가져, 때로는 기계등도 이용해 자연 현상을 생각하게 하는 공간을 만드는 것으로 감상자의 시각이나 인식을 흔들어주기를 추구하고 있습니다. 이 작품에서는 석양과 같은 오렌지색의 거대한 광원이 박물관에 재현되어 있습니다.
태어난 고향의 아이슬란드의 엄격한 자연이 그의 예술에 큰 영향을 미치고 있다고 말할 수 있습니다. 거기에는 아름답고 장대한 지구의 일-빙하, 대륙의 단면, 차가운 바다가 존재하는 한편, 지구 온난화의 영향도 현저하게 나오고 있는 지역이기도 합니다. 빛과 물의 현상을 재현한 예술 작품을 통해 예술밖에 할 수 없는 문제 제기 방법을 하고 있다는 점에서 에리어슨은 아트 사고와 사회를 연결하는 인물이라고 할 수 있습니다.
인간 슈타이엘
Factory of the Sun｜2015, Courtesy of Andrew Kreps Gallery, New York
인간 슈타이엘 은 영상작가, 에세이 다큐멘터리 분야에서도 혁신적인 일을 하고 있는 아티스트입니다. 기술과 이미지의 세계적인 유통, 특히 이미지가 사회에 미치는 영향에 관심이 있습니다. 주로 영상 작품으로 알려져 있어 영화의 경계를 확장해, 컨셉츄얼이면서도 현대의 중요한 문제를 다루고 있어, 평가가 높은 아티스트입니다.
작품에서는, 소설과 사실, CG와 다큐멘터리 영상이 혼재하고 있습니다. 군국주의, 감시사회와 대체경제의 대두 등 모든 사람이 자신별로 파악할 수 있는 현대적인 문제를 주제로 하고 있습니다. 그러나 견고하고 설교적인 작품에 시종하지 않고 팝과 유머 를 조합하여 선물되고 있습니다.
취급하는 테마가 얼마나 무거워지면 예술이기 때문에 어떤 가벼움이 필요할 것입니다. 이러한 가벼운 관점과 기술의 교착 은 다른 분야에서 활약하는 여러분에게도 도움이 되는 비판적인 사고에 힘입어야 합니다.
마크 브래드퍼드
BLACK VENUS | 2005 © Mark Bradford (courtesy the artist and Hauser & Wirth) photo: Bruce White
Mark Bradford 는 주로 추상화를 제작하는 현대 미술가입니다. 페인트와 콜라주를 결합한 그리드 모양의 대규모 작품으로 알려져 있으며, 포스터의 잔해와 명함 등 일상 생활의 아이템을 캡처하는 것이 특징입니다. 브래드퍼드는 작품 중에서 권력자에 의한 커뮤니티나 사회적 약자의 소외 등 사회적·정치적 문제를 탐구하고 있습니다. 그는 자신의 작풍을 '사회적 추상화'라고 표현한다.
회화라고 하는 전통적인 형식에 준거하면서도, 어떻게 현대 사회를 잘라낼 수 있을까. 이러한 도전은 자신의 강점을 살린 다음 주위의 환경을 받아들여 사고를 전개 한다는 현대 비즈니스 파슨에게도 공통되는 사고의 틀이 있다고 할 수 있습니다.
뱅크시
최근 일본에서도 인기가 높은 스트리트 아티스트 뱅크시는 사회에 대한 메시지를 인상적인 일러스트와 텍스트로 도시의 벽에 써 가는 스타일을 취하고 있습니다. 스텐실이라 불리는 이 기술은 미리 그리려는 형태로 구멍이 뚫린 형태를 만들어두고, 벽을 가리고 스프레이를 뿌려 경찰에서 발견하기 전에 빠르게 낙서를 남길 수 있습니다. 일반적으로 예술이라기보다는 불법 행위로 분류되는 경우가 많은 수법을 굳이 사용하는 것은 그의 메시지의 전하고 싶은 상대나 그 전하는 방법이, 거리를 걷고 있는 우리라는 것에 의합니다 .
일견 비판이 많은 방식에서도 주위를 말려들어 '정답'을 스스로 창조해 버리면 좋다. 어떤 종류의 위험한 방법론이지만, 여기에서 부분적으로도 배울 수있는 포인트는 많이있을 것입니다.
