포스트 인상파·큐비즘·상징주의

근대미술과 구분되는 시대 중에서도 후반이 되면 포스트인상파 · 큐비즘 · 상징주의 라는 예술운동이 대두해 옵니다.

포스트 인상파

포스트 인상주의의 대표적인 화가는 고흐나 고갱 등 색채 그 자체가 가지는 독자적인 표현력을 사용하는 화가들입니다.

고흐와 고갱 등은 특히 포비즘, 표현주의, 추상예술, 프리미티비즘과 같은 후의 예술운동에 영향을 주었습니다.

핀센트 판 고흐《성월밤》1889년｜뉴욕 근대 미술관(MoMA) 소장

포비즘

20세기 초, 앙리 마티스를 비롯해 조르주 블랙, 앙드레 드랑, 라울 듀피 등 젊은 화가들이 파리의 미술 세계에서 혁명을 일으킨다.

그들은 ' 포비스무 (야수파)'라고 불리며 색채 자체에 자율적 표현력이 있는 것으로 간주했습니다. 특히 인간의 내적 감정과 감각을 표현하는데 색채는 중요하고 색채 자체가 만들어내는 자율적인 세계를 연구했습니다.

앙리 마티스 댄스 (I) 1909년 | 뉴욕 근대 미술관(MoMA) 소장

특히 앙리 마티스의 "댄스 (I)"는 마티스 자신의 예술 경력에 있어서도, 현대 회화의 전개에 있어서도 중요한 작품이 되고 있습니다.

이 작품은 프리미티브 아트에 숨어있는 인류 초기의 예술 충동을 반영한 것이라고합니다.

회화 속에서는 차가운 청록색 배경과 대조적으로 인물 조형은 따뜻한 색이 사용되고, 벌거벗은 여성들이 고리가 되어 손을 잡고 리드미컬하게 춤추고 있다. 특정 무언가에 묶이지 않는 자유로운 감정과 쾌락주의적인 것이 전해지는 것 같습니다.

큐비즘

세 번째 조류는 입체파입니다.

큐비즘은 미술사적으로는 감각적이고 이동하기 쉬운 인상보다 지적인 구성과 형태를 중시하는 폴 세잔느 의 이론에 근거한 표현입니다.

세잔의 영향이 짙은 것은 파블로 피카소 입니다. 피카소는 자연의 형태를 입방체, 구체, 원뿔의 집적으로 보고 이들을 쌓아서 대상을 재현하기보다는 '구성'해 가는 세잔느 방법을 기반으로 큐비즘 회화를 발명했습니다.

1907년의 《 아비뇽의 딸들 》 은 큐비즘을 대표하는 작품입니다. 프리미티브 아트 기술을 도입하여 기존의 원근법에 얽매이지 않는 플랫 공간 구성에서 서양 회화의 전통에 대해 래디컬한 혁명을 일으켰습니다.

폴 세잔느 《산 빅토월산》 1904년｜오르세 미술관 소장

파블로 피카소 《아비뇽의 딸들》 1907년 | 뉴욕 근대 미술관(MoMA) 소장

상징주의

마지막은, 보이는 세계를 쫓는 리얼리즘과 그 연장선상의 인상주의에 대한 반동으로서 19세기에 발생한 상징주의 입니다.

상징주의는 고흐 고갱 세잔과 같은 후기 인상파의 흐름과는 별도로 거의 병행하여 발생한 미술 스타일입니다.

상징주의의 화가들은 인상주의에 대한 반동으로부터 자기 내부 세계의 감각적이고 이동하기 쉬운 인상보다 지적인 구성·형태를 중시하는 경향에 있습니다.

상징주의는 유럽 전역, 미국, 러시아에서도 볼 수 있는 것으로, 귀스타브 모로, 오디론 돈 , 영국의 라파엘 전파, 구스타프 크림트 , 아르놀트 베클린 , 에드발드 문크 등이 대표적인 화가로 꼽힌다. 합니다.

후대의 영향으로 말하자면, 상징주의는 특히 와실리 칸딘스키 , 피트 몬드리안 , 러시아 아방가르드(예술운동) , 슐레어리즘 (예술운동) 에 큰 영향을 미쳤습니다.

상징주의의 대표적 작품, 오디론 돈 《사이클롭스》 1898~1914년 | 클레러 뮐러 미술관

슈르레아리즘의 대표적 작품, 살바도르 다리《기억의 고집》1931년｜뉴욕 근대 미술관(MoMA) 소장

기타 예술운동

위의 예술운동 외에도 「프리미티비즘(원시예술)」이나 「소박파(나이브 아트)」라고 불리는 흐름이 있습니다.

소박파는 공식적인 미술교육을 받은 적이 없는 작가에 의해 제작되며, 독학 때문에 오히려 소박함과 독창성이 두드러지는 작품군을 가리킵니다.

일요일 화가인 앙리 루소가 대표적인 아티스트입니다.

나이브 아트의 작가는 독학으로 수법이나 구성을 배우고 다른 직업에서 생계를 세우면서 개인적인 즐거움으로 제작하고 있던 경우가 대부분입니다.

따라서 정확하게는 예술운동이라는 카테고리의 정의에서 벗어나지만, 이와 같이 자연발생적인(아티스트의 의도가 아닌 후 시대에 미술사가에 의해 분류되는 것 같은) 흐름은 편의상 “~주의 」에 대해 「~파」라고 칭해 구별됩니다.

앙리 루소《인형을 가진 아이》1908년｜오란쥬리 미술관 소장

현대 미술을 구성하는 예술 운동의 정리

여기서 다시 근대미술을 형성한 예술운동을 되돌아보자.

현대 미술 전반:

낭만주의, 사실주의, 인상주의

현대 미술 후반:

포스트 인상주의, 큐비즘, 포비즘, 상징주의, 소박파

이것들은 후대의 예술 운동으로 이어집니다. 전문가들 사이에서도 의견은 나뉘지만 인상주의는 추상 표현주의의 원류가 되어, 포스트 인상주의나 여기에서는 소개하지 않은 비엔나 분리파나 아르누보 등이 혼합된 결과 독일 표현주의에 계승되는 등 예술 운동의 생성과 소멸이 반복됩니다. 아티스트의 삶에는 한계가 있기 때문에 하나의 예술운동이 수세기 끊어지지 않는다고 하는 것은 아니지만, 현대의 아티스트나 비평가, 미술사가에 발견되어 혹은 반대로 의식되지 않을 정도까지 침투한다 그래서 계속 영향을 미치고 있습니다.

부록: 근대 미술 탄생 전야

현대 미술과 현대 미술은 구별됩니다. 그러나 근대미술에 미치는 영향의 크기라는 면에서는 어느 의미 21세기의 현재에 이르기까지 근대미술은 계속되고 있다고도 말할 수 있을지도 모릅니다 . 본 기사의 시작 부분에서도 가볍게 접했습니다만, 근대 이전의 시대를 참조하면서 어떻게 「근대」가 완성되었는지 조금 자세하게 보자.

산업혁명

근대미술의 탄생은 서유럽과 북아메리카에서 생산·교통 등에서 큰 기술혁신이 태어나 경제·사회·문화의 구조에 변혁을 가져온 18세기부터 19세기에 걸쳐 발생한 산업혁명까지 거슬러 올라갑니다.

이 시대에 증기 기관이라는 새로운 수송 형태가 사람들의 삶과 노동 형태를 변화 시켰습니다. 그로 인해 여행이 태어난 것으로, 특히 육계의 유럽에서 국외 여행이 용이하게 되어, 이치의 사람들의 세계를 넓혀, 경제적·문화적·사상적 교류가 스피드 업되었습니다. 도시의 중심이 번영함에 따라 노동자들은 산업 집약 기업을 위해 도시에 모여 도시 인구가 급증했습니다. 과학기술의 진보와 산업혁명을 거쳐 자본주의가 고도로 발달하는 한편, 신앙의 쇠퇴를 가져오고, 기독교의 사회적 권위는 점차 약화되고, 세속화가 진행해 갔다고 말할 수 있습니다.

스톡턴 앤 달링턴 철도 개업, 1825년

사회의 변천에 따른 미적 관념의 변천

서양미술의 표현의 변천도 이러한 사회의 변천과 밀접하게 연결되어 있습니다. 상술한 철도에 의한 물리적 이동 촉진에 병행하여 미술 중에서도 개인주의화가 진행되어 고전적 이상미에 절대적인 규범을 보고 있던 전통적인 가치관에서 아름다움을 주관적인 것으로 상대화 하는 현대적인 가치관으로 이행해 갔습니다.

로맨파의 화가 드라크로와는 「미의 다양성에 대해」(1857년)라는 문장 속에서, 아름다움은 고대 그리스에만 있는 것이 아니라 다른 시대나 지역에는 다른 아름다움이 존재하는 것, 위대한 시인이나 예술가가 아름다움을 낳는 것은 각각의 개성과 특이성 때문이라고 주장하고 있습니다. 이러한 아름다움의 정의의 변화는 근대 이전의 예술관에서 근본적으로 벗어난다고 할 수 있습니다.

21세기 현재의 현대미술이나 아트 월드라고 불리는 세계에서도 대중문화에 영향을 준 현대미술시장이 있어 상대적 미적관념이라는 근본의 이해는 계승되고 있습니다.

미적 가치 평가 시스템

작품의 수용이라는 관점에서 미술 가치의 변화가 일어난 것도 놓칠 수 없습니다. 19세기 말부터 미적 가치의 심급이 기존의 「아카데미즘」에서 「비평가 시스템」으로 이행해 갔습니다. 이 해설을 위해 한 번 현대적 개인주의의 성립을 드러내 갑시다.

근대 이전에, 예술가들은 일반적으로 부유한 개인의 순찰과 교회의 주문으로 작품을 제작했습니다. 이러한 예술 작품의 대부분은 성경이나 신화의 장면을 묘사하는 역사화라고 불리는 장르이며, 감상자에게 그 내용을 교수하는 것이었습니다.

근대를 맞이하면 자본주의나 중류계급의 발전에 따라 왕후 귀족이나 종교세력이 아니라 중류계급의 시민이 새로운 회화의 수용층으로 바뀌기 시작합니다. 수용층의 변화는 작품 자체에 큰 영향을 주고, 역사화나 초상화, 종교화를 대신해, 알기 쉽고 친숙한 풍경화나 풍속화의 제작이 현격히 늘어나갑니다.

그로 인해 아티스트 측에서도 아카데미즘 속에서 성공하는 것이 절대적인 것이 아니게 되었습니다. 쿠르베, 마네, 인상주의의 화가들은 프랑스의 아카데믹 시스템으로부터 거리를 두고, 화상 경유로 특히 미국의 중산 계급에 받아들여 성공했습니다. 즉, 미적 가치의 평가 시스템이 아카데미즘에서 비평가나 화상이라는 플레이어로 변천한 것을 의미합니다. 19세기 후반에 탄생한 이러한 '비평가 시스템'은 회화 수용의 새로운 틀이며, 오늘날의 아트 월드까지 계속 견고하게 기능하고 있습니다.

파블로 피카소와 조르주 블랙 등의 큐비즘의 화상으로 이름을 붙인 칸 와일러(Daniel Henry Kahnweiler, 1884 ~ 1979)는 현대 미술에서 갤러리스트의 선구자라고도 불리며 새로운 미술 시장 시스템을 만들었습니다.

The Crosby Garrett Helmet on auction at Christie's, London, on 7 October 2010. Photo by Daniel Pett.

대중예술

19세기에는 회화, 조각, 건축 등 지금까지의 파인 아트에 대해 판화나 장식 예술, 그래픽 디자인 등의 대중 예술이 발전한 것도 큰 특징입니다. 1798년에 발명된 리토그라프라고 하는 인쇄 기술은 대량 인쇄를 가능하게 해, 로트렉 , 알폰스 뮤샤 라고 하는 인기 일러스트레이터를 탄생시켰습니다.

앙리 드 툴루즈-로트렉 Moulin Rouge, La Goulue , 1891년

알폰스 뮤샤 F. Champenois Imprimeur-Éditeur, 1897, Lithograph

중류계급의 발전에 따라 벽지나 가구, 책의 삽화나 장갑, 스테인드 글라스나 태피스트리, 모자이크나 도예 산업이 활발해지면, 단순한 장식으로부터 일탈한, 예술성이 높은 장식 예술이 유럽에 퍼져 갑니다 했다. 라파엘 전파와 윌리엄 모리스의 아츠 앤 크래프트 운동 등이 대표적인 예입니다. 19세기 말에 유행한 아르누보는 19세기 장식 예술 운동의 정점이라고 할 수 있습니다.

윌리엄 모리스 태피스트리, 1885년

19세기의 이러한 대중예술의 흥류는, 21세기의 오늘, 도시의 벽에 그린 스프레이 아트, 스티커, 스텐실, 간판의 개조라고 하는 메디움을 사용한 스트리트 아트가 파인 아트와 동일 시장에서 취급되고 있다 처음부터 공통점이 있습니다.

뱅크시 Anarchist Rat , Taken by Shermozle

사진이라는 새로운 메디움  

새로운 메디움에서 회화와 동격의 예술로 간주될 수 있는 것도 나타났습니다.

대표적인 것은 '사진'입니다. 1839년에 다게레오타입이라는 최초의 촬영 방법이 발명된 이후, 사진술은 개량을 거듭해 사실적인 묘사 능력을 획득해, 사실 그림의 지위를 위협하게 되었습니다.

그 때문에, 화가들은 사진과 다른 표현 방법을 찾아야 하고, 현실을 그대로 재현하는 것이 아니라, 화가가 주관으로 느낀 것을 재현하는 인상주의나 로망주의 등이 발전해 갔습니다.

한편, 사진 쪽에서도 알프레드 스티그리츠 등은, 현실을 그대로 재현하는 것으로부터 떨어져, 회화와 같은 「예술」이 되는 것을 목표로 하기 시작했습니다.

또, 영상의 출현(1859년)도 회화에 큰 영향을 주었습니다. 영상의 발명에 의해 회화에 있어서의 이야기 표현의 중요도가 낮아져, 회화 밖에 없는 특성을 추구하는 동기부여를 주었다고 말할 수 있습니다.

알프레드 스티그리츠 Miss SR, 1905년

이문화와의 접촉 — 만국박람회 시대

오리엔탈리즘(동방 취미), 재포니즘(일본 취미), 프리미티브 비즘 등 이문화와의 접촉을 통한 19세기 미술의 변용도 잊지 말아야 합니다. 19세기는 만국박람회의 시대였다고 해도 과언이 아닙니다.

이 문제는 19 세기 서양 열강의 식민지화의 진전과 밀접한 관련이 있습니다. 서양 열강이 영토적 야심을 가지고 전세계로 진출함으로써 서양과 외부의 거리가 단번에 줄어들고, 그 결과 다양한 문화와 미술이 유럽에 수입되게 됩니다.

이렇게 태어난 것이 만국 박람회입니다. 특히 1855년부터 1900년까지 5번 열린 파리 만국박람회는 예술가에게 큰 영향을 주었다. 덧붙여서 자포니즘이 서양 미술에 본격적으로 침투하기 시작하는 것은 1867년의 파리 만국 박람회에 일본이 처음으로 정식에 참가하고 나서입니다.

1900년 파리 만국박람회

아웃사이더 아트  

오늘의 아웃사이더 아트는 20세기 초반에 유행한 소박파나 프리미티비즘의 계보에 있다고 할 수 있습니다. 이 카테고리로 분류되는 아티스트는 특수하고, 본인에게 「아웃사이더 아트라고 하는 흐름 속에서 제작을 하고 있다」라는 의식이 미진도 없기 때문에 미술사가들은 문맥을 망설이기 쉽지만, 그들 의 독창적인 제작과 그 혁신성은 언급할만한 가치가 있습니다. 또한 헨리·더거 등으로 대표되는 이들 아티스트는 정신적 질환이나 심각한 사회 부적합성을 가지고 있는 경우가 대부분으로, 20세기에 발달한 정신 분석학적 관점에서도 흥미로운 고찰의 대상이 되었다 있습니다.

헨리 다거 | In the Realms of the Unreal

소셜 액티비즘

사회적·정치적 메시지나 공격성을 띤 활동은 반달리즘 이나 아티비즘 이라고 불립니다.

이들이 아트라는 카테고리에 포함되는지 여부는 전문가 중에서도 의견이 깨지는 곳입니다. 특히 밴달리즘(Vandalism of Art)은 '예술 작품에 대한' 파괴·낙서·훼손 행위를 가리키기 때문에 감상자의 입장에 따라 크게 파악하는 방법이 바뀔 것입니다.

Giving to the Poor , a stencil by American street artist Above addressing the issue of homelessness. Lisbon, Portugal, 2008. By Hdepot - Own work, CC BY-SA 3.0

한때 칸트는 "모더니즘은 내부에서 비판한다"고 말했지만, 반달리즘과 아티비즘이 진행되면 방문하는 것은 "근대 미술에 의한 근대 미술의 자기 파괴"일지도 모른다. 이러한 자기파괴는 자본주의사회에 따른 경제적 격차의 증폭이나 환경문제 등을 포함한 사상투쟁에 의해 모습을 바꾸어 출현할 가능성이 있습니다. 이 경우, 현대 미술을 파괴하는 주체는 반드시 현대 미술 자체가 아니며, 그 영향으로 다른 문제가 심각해지고 있다고 주장하는 개인에 의할 수 있습니다. - 2022년에는 전 세계 미술관에서 동시 다발적으로 역사적으로 유명한 회화 작품에 토마토캔을 던진다는 퍼포먼스를 환경운동가가 실행하고 있습니다.

런던 내셔널 갤러리에서 고흐《해바라기》에 토마토 수프를 던진 환경보호단체의 활동가들, 2022년 10월

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