뱅크시, 다미안 허스트 등의 전람회가 개최되어 일본에서도 화제를 부르고 있는 현대 아트. 경매에서 고액 낙찰 뉴스를 듣는 것도 많지 않을까요?
지금, 아트 씬에서는, 일본의 현대 아트가 주목을 받고 있습니다.
국내외에서 활약하는 일본의 현대 아티스트를, 거장으로부터 주목의 젊은 작가까지 소개해 갑니다.
일본을 대표하는 현대 미술의 거장 10명
① 세계에서 가장 영향력 있는 「현대 아트의 여왕」 구사마 야요이
「수옥의 여왕」의 호칭을 가진 쿠사마 야요이는 해외에서 가장 높은 평가를 받는 일본의 현대 아티스트. 그 활동은 회화에서 조각, 퍼포먼스 등 장르를 넘어 다양합니다.
복잡한 가정 환경에 의해, 어린 시절부터 보는 것 모두가 물방울로 덮여 보이는 환각에 시달리고, 그 공포로부터 도망치기 위해 물방울이나 그물 모양의 환상적인 그림을 그리도록.
28세에 도미한 쿠사마가 처음으로 평가된 것이, 「무한의 그물」시리즈입니다. 화면을 빽빽하게 덮는 "망목". 도미 후에도 괴로워하고 있던 환각을 화면에 표현한 작품이었습니다.
「망목」과 「물방울」은 풀 사이의 아이콘이 되고, 그 후, 이것들을 짜넣은 「호박」이나 「모자」등의 모티브를 전개해 갑니다.
2016년에는 TIME지의 「세계에서 가장 영향력이 있는 100명」에도 선출되어 문화 훈장을 수장. 바로 「현대 아트의 여왕」입니다.
쿠사마 야요이의 대표작품 : 《미나미슌》
어린 시절부터 환각이나 환청에 시달리고 있던 쿠사마는, 자신의 시야에 비치는 물방울 무늬를 회화에 일으킵니다.
필사적으로 보이는 것·느끼는 것을 그려내는 사이에, 공포감이나 괴로운 생각이 부드럽다고 말하고 있습니다.
쿠사마는 평생을 걸어 물방울 무늬를 작품의 곳곳에서 사용하고 있어, 이 《남호(호박)》에 있어서도, 또 하나의 그녀의 작품중의 아이콘인 난쓜이라는 모티브를 조합해 쿠사마 야생다운 작품 마무리되었습니다.
1981년, 아크릴/캔버스
② 국제적으로 주목을 끄는 재패니즈·네오팝의 화가 나라 미치
단순화되고 귀여운 그림 바람에 그려진 소녀. 하지만 그 표정은 가만히 이쪽을 노려보는 것처럼 보입니다. 「귀여움, 순수성」과 「외로움, 불만」등의 감정이 교착하는 아이. 나라 미치는 이 모티프에 의해, 새로운 구상 회화의 기수로서 국제적인 주목을 모았습니다.
세계 각국에서 개인전을 성공시켜 뉴욕 근대 미술관 등 세계적인 미술관에 그 작품이 소장되어 있습니다.
아크릴화뿐만 아니라 즉흥적으로 그리는 드로잉과 조각도 전개.
「아이」라고 늘어선 나라 미치의 또 하나의 대표적인 모티브 「개」.
출신지 아오모리의 아오모리 현립 미술관의 높이 8.5m에 이르는 옥외 설치 작품 「아오모리 개」는 그 컨셉으로 화제를 불렀습니다.
나라 미치의 대표 작품：《나이프·비하인드·백》
2019년, 홍콩 사자비즈의 경매로 2,490만 달러(약 27억엔)라고 하는 당시의 자신의 최고액으로 낙찰되어 화제가 되었습니다.
그의 독특한 세계관을 표현한 소녀의 연작 시리즈의 하나로, 노려보는 여자의 모습은, 귀여움과 동시에 거기는 확실히 무서움도 느끼게 하는 것이 특징입니다.
2000년, 아크릴/캔버스
③ 일본화의 전통에서 「슈퍼 플랫」을 제창하는 현대화가 무라카미 타카시
무라카미 타카시는 일본의 현대 미술계를 개척해 온 제일인자로, 현재 해외에서 가장 높은 평가를 얻고 있는 일본의 아티스트의 한 사람입니다.
구미의 가치관이 아니라 일본발의 가치관을 확립한다는 문제의식으로부터 「슈퍼 플랫」이라고 하는 이론을 제창.
일본의 만화나 애니메이션의 오타쿠 문화에, 플랫감, 대담한 구도, 디포르메, 선명한 색채 등의 우키요에나 호파 등으로부터의 영향을 찾아내, 애니메이션이나 피겨 등의 서브 컬쳐인 오타쿠계의 소재를 이용했다 작품을 잇달아 발표했습니다.
「Mr.DOB」 「꽃」등의 모티브를, 반복해 같은 등장시키는 것도 특징.
베르사유 궁전에서의 개인전 등 항상 세계에서 화제를 부르고 있습니다.
젊은 아티스트의 프로듀스에도 힘을 쏟고 있습니다.
무라카미 타카시의 대표작품:《5백라한도》
무라카미는 2012년에 전체 길이 100미터에 이르는 초대작 회화 《오백라 한도》를 발표했습니다. 세계에서도 최대급의 작품이라고 해도 과언이 아닙니다.
이 작품은 동일본 대지진이 일어났을 때 재빨리 지원의 손을 내밀어준 카타르에 경의를 표하며 도하에서 처음 공개되었습니다.
그 후 일본 국내에서도 발표되어, 경력 당초보다 무라카미의 관심의 중심에 있는 일본 미술의 최독해가 시도되고 있습니다.
2012년, 아크릴/캔버스
④ 「사진」을 현대 아트로 승화시킨 일본인 사진가 스기모토 히로시
기록 미디어였던 사진을 현대 미술의 표현 수단으로 높인 아티스트 중 한 명이라고 하는 스기모토 박사. 생각해낸 컨셉과 확실한 기술로 완성된 작품은 세계에서 높은 평가를 얻고 있습니다.
작품의 배경에 있는 큰 테마는 「시간」. 「시간을 조종하는 감각을 가지면, 가장 오래된 것이 가장 새로운 것으로 바뀐다. 그것이 창작의 근본에 있다.」라고는 스기모토의 말입니다.
스기모토가 최초로 평가받은 「디오라마」는, 제작물인 디오라마를, 마치 시간을 넘어 태고의 세계에서 정말로 본 광경과 같이 느끼게 합니다.
『음봉례찬』에서는 한 화초가 어둠 속에서 타오를 때까지를 찍었습니다.
최근에는 사진뿐만 아니라 건축, 무대 미술에도 창작 영역을 넓힙니다.
2012년, 프랑스 예술 문화 훈장 오피시에를 서훈. 일본에서는 2017년 문화공로자로 선정된 일본을 대표하는 현대미술가입니다.
스기모토 박사의 대표작：《해경 시리즈》
세계 각지의 바다를 대형 카메라로 장시간 노광을 사용하여 촬영된 작품입니다.
모노크롬의 세계관과 시대 감각을 잃게 해 태고의 경치에도 미래의 경치에도 보이는 이상한 정경은, 그의 엄밀한 작품 철학을 가장 잘 반영한 것이라고 말할 수 있습니다.
사진이라고 하면 순간을 잘라낸 표현이라고 생각하기 쉽지만, 스기모토의 사진 작품에서는, 영원이 갇혀 있는 것처럼 느껴집니다.
1980년경~, 사진
⑤ LED를 이용해 「영원」을 표현하는 유명한 현대 미술 작가 미야지마 타츠오
어두운 방에 놓인 수천 개의 LED 디지털 카운터. 각각 흩어진 속도로 "1"에서 "9"까지의 숫자를 단지 새겨 갑니다. 「0」은 표시되지 않고, LED는 암전. 이것은 "죽음"을 의미하며 삶과 죽음이 영원히 반복되는 "윤회"가 표현됩니다.
미야지마 타츠오의 작품 「그것은 계속 변화한다 그것은 모든 것과 관계를 맺는다 그것은 영원히 계속된다」는 미야지마의 컨셉 그 자체라고 할 수 있습니다.
「시간」을 말하는 개념을 동양적인 사상과 현대의 테크놀로지로 표현한 미야지마 타츠오의 작품은, 국제적으로 높은 평가를 얻고, 30국 250개소 이상에서 작품을 발표했습니다.
2000년대에 들어가면 작품 발표뿐만 아니라 'Art in You'라는 개념을 제창.
모든 사람이 예술을 각각 다른 형태로 내부에 가지고 있으며, 아트 체험은 인간에게 없어서는 안되는 것임을 설명하고 있습니다.
미야지마 타츠오의 대표 작품：《카운터 보이드》
높이 5m 전체 길이 50m의 반투명 유리 스크린에는 거대한 디지털 숫자가 떠오르며 각각 다른 속도로 카운트다운을 계속합니다.
일본에서도 롯폰기 힐즈 케야키자카 거리에 있는 TV 아사히의 외벽에서 발표되어 큰 화제를 불렀습니다.
동일본 대지진 직후인 2011년 3월 13일부터, 절전과 진혼의 의미를 담아 미야지마 스스로의 손에 의해 소등되고 있어, 지금까지 수회의 프로젝트나 이벤트의 때만 재점등되고 있습니다.
작품을 위한 작품이 아니라 사람을 위해 만들어진 작품이라는 생각을 소중히 여기는 미야지마다운 행동이라고 할 수 있을 것입니다.
2003년, 네온관, 유리, IC, 알루미늄, 전선 등
⑥ 「모노파」의 대표 작가 이우환환
한국에서 태어나 일본을 거점으로 활동하는 이우환은 1960년대 후반부터 1970년대 일본의 미술 동향 '물파'를 대표하는 작가로서 세계적으로 주목을 받았습니다 .
일본의 고도성장기, 급속한 공업화와 대량생산에 대한 비판을 배경으로 나무나 돌 등의 자연소재와 종이, 철, 유리 등의 공업제품을 거의 손을 넣지 않고 작품으로 하여 '돌' 와 「유리」등 「물건」의 소재끼리의 새로운 관계성을 제시했습니다.
이의 입체작품 타이틀 '관계항'은 '모든 것은 세계와의 관계성에 의해 성립하며, 그것만으로 존재하고 있는 것은 없다'는 생각에 근거하고 있어 상호관계성에 의식을 향한 제작은 그 후에도 일관되고 있습니다.
"모노파"는 현재 미국, 아시아의 아트 씬에서 다시 평가되고 있습니다.
李禹煥의 대표작품：《선보다》1974년
대명사라고도 할 수 있는 회화 작품《선보다》,《점보다》라는 시리즈로, 이우환은 매우 심플한 선을 그린다고 하는 행위, 점을 친다고 하는 행위를 구현화하고 있습니다.
서구와 동양의 철학 모두에 의해 양조된 그의 철학은 이와 같이 하나하나의 행위를 최대까지 버림시킴으로써 원시적인 표상행위가 되고 있습니다.
이와 아야, 캔버스
⑦ 「PixCell」의 개념을 가지는 조각가 나와 아키히라
촉각, 시각등의 감각에 접하는 인터페이스로서, 조각의 「표피」에 주목한 명화 아키히라. Pixel(화소)과 Cell(세포)이 융합한 'PixCell'이라는 개념을 통해 '셀(세포)'로 세계를 인식하려는 시도로 국내외에서 주목받았다.
「PixCell」시리즈는, 사슴의 박제등의 오브젝트의 표피를 유리 비즈 등의 투명한 구체로 덮어, 그 존재를 「셀(세포・립)」로 옮겨 버린다고 하는 작품.
셀에 의해 물체가 가지는 현실감이 없어져 영상으로서 지각되게 되는 것을 의도한 것입니다.
메이와 아키히라는 조각의 정의를 유연하게 해석하고 다양한 소재와 최신 기술을 사용하여 새로운 조각의 방식을 추구하고 있습니다.
메이와 아키히라의 대표 작품：《PixCell-Deer#52》2018년
토와다시 현대 미술관에서의 개인전의 개최에 맞추어, 대표작의 신작이 2018년에 발표되었습니다.
표면의 질감만이 극단적으로 확대된 집합체. 그것은 현대의 우리가 사는 정보화 사회를 그대로 나타내고 있다는 식으로 읽을 수도 있습니다.
인간의 세계를 파악하는 방법과 카메라 렌즈를 통한 세계의 포착 방법을 선명하게 대조시키고 있습니다.
믹스트 미디어
⑧ 형태가 없는 것을 표현하는 현대 아트 시오다 치하루
공간을 가득 채우는 붉은 실에 묶인 수많은 열쇠, 셀 수없는 가방, 배.
베를린에 본사를 둔 시오다 치하루는 기억이나 불안, 꿈 등 불확실하고 보이지 않는 것을 표현한 설치로 세계적으로 알려져 있습니다.
스스로의 투병 체험으로부터 「살아가는 것은 어떤 의미인가」 「존재란 무엇인가」라고 하는 인간의 근원적인 문제인 「생과 죽음」에 마주하고, 계속 모색하고 있는 과정을 작품으로서 표현해 있습니다.
붉은 실은 생명을 나타내는 색, 그리고 사람과 사람과의 인연을 연결하는 실. 배는 아직 보이지 않는 세계로 이끄는 것이며, 죽음과 인접한 물체이기도 합니다. 감상자는 「생과 죽음」이라고 하는 보편적인 테마를 작품으로부터 느끼고, 시오다 치하루의 세계에 매료되어 갑니다.
시오다 치하루의 대표 작품:《불확실한 여행》2021년
철 테두리로 만든 배와, 대명사인 붉은 대량의 실에 의해 만들어진 설치 작품.
실제로 시오다의 작품 공간 안에 들어가면 그 일의 편집광적 열정에 압도될 것입니다. 상징적인 배와 함께, 혈류나 생명의 에너지를 나타내는 실에 의해, 마치 하나의 거대한 생명 조직 안에 들어 버린 것 같은 현혹적인 세계. 동시에, 그녀의 감싸는 따뜻한 시선을 느낄 수 있습니다.
철 테두리, 빨간 털실
⑨ 현대 일본을 독특한 영상 설치로 표현하는 여성 작가 속 고구마
영상을 표현수단의 중심으로 해 주위의 공간에도 연출을 걸어, 공간 전체를 작품으로서 감상자에게 체감시키는 「영상 설치」.
'미술은 생활 냄새가 난 리얼한 것'이라는 속 고구마는 현대 일본의 일상 풍경인 '부엌' '횡단 보도' '단지' '공중 변소' 등 보편적인 테마를 우키요에 같은 터치의 손으로 그린다 선화 애니메이션으로 그립니다.
아날로그감과, 어떤 종류의 그로테스크함을 수반하는 독특한 표현으로 현대 일본의 복잡한 내면을 표현한 속 고구마의 수법은, 국제적으로도 높은 평가를 받아 국내외로부터 콜라보레이션의 오퍼가 끊임없는 주목의 작가입니다.
속 고구마의 대표작품:《dolefullhouse》2007년
같은 해 베니스 국제 비엔날레에서 발표된 이 작품에서는 인형 집, 인간의 손, 문어, 혈관 ...과 한 곳에 모일 것 같은 모티프가 모여 의미를 섞어가는 영상이 만들어지고 있습니다.
단괴 주니어 세대로서 느껴 온 현대 일본 사회의 위화감과 초현실함을 독특한 테이스트로 영상화하고 있습니다.
⑩ "손"으로 그리는 역동적 인 작풍으로 세계에 가볍게 록카 쿠아야코
그림 붓을 사용하지 않고, 골판지나 캔버스에 직접 손가락으로 그리는 독특한 스타일로부터 만들어지는, 신축하고 리드미컬한 터치. 대표적인 모티프 「눈동자의 큰 소녀」와 함께, 도시의 잔물결이나, 바람, 꽃, 소리 등이 화려한 색채로 그려집니다.
팝으로 화려하고, 다이나믹하고 에너지 넘치는 작풍은 국내외에서 인기를 끌고, 해외의 메이저인 경매에서도 높은 인기를 자랑하고 있습니다.
그 제작의 축은 「긍정적인 에너지를 작품에 담는 것」.
2011년의 동일본 대지진 이후, 그 생각은 강해졌다고 합니다. 색이 겹쳐, 소녀의 존재감도 커져, 보다 생명력이 느껴지는 그림이 되었습니다.
세계의 아티스트 랭킹에서도 순위가 급상승. 이제 파도를 타고 있는 작가입니다.
로카쿠아야코의 대표작품 : 《Untitled》 2020년
그녀다운 자유분방한 색채 속에 노려보는 듯한 발랄한 표정을 한 소녀의 모습이 보입니다.
붓이 아닌 손으로 직접 페인트를 화면에 놓는 것으로, 나마의 생명감이 화면에 남아 있습니다.
아크릴, 캔버스
주목할만한 신진 기예의 일본인 현대 미술 젊은 작가
야마토 힘을 세계로 여성의 젊은 아티스트 고마츠 미바
눈부신 눈, 날카로운 송곳니. 대담한 터치로 화면 가득 퍼지는 이형의 것들.
고마쓰 미바는, 어쨌든 전해지는 신화에 등장하는 신수 등, 일본의 전통 문화를 모티브로 독자적인 표현을 추구해, 특히 「고개」의 모티브로 알려져 있습니다.
작품의 근저에 있는 것은 「야마토력」. 고마쓰가 말하는 「야마토 힘」이란, 이른바 「일본다움」이 아닙니다. 다양한 다른 사상이나 존재를 융합시켜, 정리해 주는 힘이야말로 「야마토 힘」이라고 합니다.
또, 프로듀스 팀 체제를 짜고, 해외를 시야에 프로모션 하고 있는 것에서도 주목을 모으는 아티스트입니다.
코마츠 미바의 대표작품:《누구나 용이 된다》2018년
狛犬와 함께 태양처럼 눈부신 눈을 가진 큰 용이 화면 중앙에 뛰어오르고 있습니다.
그 밖에도 새를 모티브로 한 신성한 생물 등도 그려져 있으며, 일본 특유의 자연과 동물을 신으로 본 독특한 세계관이 극채색으로 표현되어 있습니다.
캔버스, 아크릴, 후추
디지털 세계에 대치하는 회화를 그린다 일본의 젊은 작가 우메자와 와키
1985년생의 우메자와 와키는, 지금 가장 주목받고 있는 젊은 아티스트의 혼자.
인터넷에 흩어져있는 다양한 기존 캐릭터 이미지를 대량으로 수집, 복사 및 붙여넣기로 그들을 재구성하고 거기에 스스로 가필함으로써 어떤 종류의 카오스적인 작품이 만들어집니다. 말하자면 디지털 기술에 의한 일러스트와 이미지의 콜라주입니다.
디지털 세계와 현실 세계를 오가는 우메자와 작품은 무라카미 타카시와 히가시 히로키 등에 지지되어 주목을 끌었습니다.
2011년에는 지진 재해의 잔해의 사진을 작품에 짜넣는 등, 항상 넷을 통해서 현실을 인식하고 있어 그것이 가상 공간안의 리얼리티라고 하는 우메자와 작품의 특징으로서 나타나고 있습니다.
지금까지의 아트라는 테두리로는 파악할 수 없는 작품이, 향후 어떻게 변화해 나갈 것인가. 그런 흥미와 기대도 우메자와 와키의 매력이 되고 있습니다.
우메자와 와키의 대표 작품:《이미지의 입자 -Twelve Style-》2021년
디지털 이미지를 확대하여 보이는 거칠기, 이미지 입자.
그 「픽셀」에 리얼리티를 느끼는 우메자와는, 다양한 디지털 표현의 잔해가 집적된 카오스인 색채의 모임을 프린트할 때에 미세한 요철을 만들어냅니다.
지금까지 그려온 모티브가 하나의 화면에 갇힌 본 작품은, 리얼이란, 디지털이란 무엇인가라고 하는 경계선을 모호하게 하는 듯한 존재가 되어 있습니다.
자외선 경화 수지(StareReap 2.5 프린트)에 아크릴
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향후 주목할 일본인 젊은 현대아티스트 5선
누마타 유카는 인터넷이 일상적으로 사용되는 디지털 네이티브 세대의 아티스트.
누마타는 「현실과 디지털 세계의 괴리와 그 미래」를 상상해 제작하고 있습니다. 현대에 있어서의 시대성, 특질, 세대의 특징을 리서치한 정보를 PC상에서 편집, 가공한 디지털 이미지를 아날로그인 작업으로 치환해, 현실 세계에 있어서의 차원의 초월을 도모하고 있습니다.
누마타 유카
1992년생, 지바현 출신. 2019-2020년 비엔나 미술 아카데미에 유학. 2022년 도쿄 예술대학 대학원 수료.
2018년 O씨 기념상, 2019년 A-TOM ART AWARD 그랑프리 수상. 그룹전, 개인전력 다수.
마츠 무라 사키 노조의 작품은, 복수의 기법이나 색채를 조합하는 것으로 태어나는, 부딪치거나 왜곡이 특징입니다.
본 적이 없는 풍경을 캔버스에서 계속 창조하는 그녀의 활동은 일상생활에 질리지 않는 우리 눈에 신선한 감각을 낳습니다. 화가밖에 할 수 없는 이 행위를, 생생한 페인트의 질감과 플랫한 디지털의 질감을 양립시킴으로써 실현하고 있습니다.
마츠무라 사키
1993년 나가노현 출생
2017년 교토 조형 예술 대학 대학원 페인팅 영역 수료 현재, 교토를 거점으로 제작 활동을 실시한다
Maoka Ueda는 규칙적으로 아름다운 자연의 법칙을 만화 캐릭터를 사용하여 표현하는 작가입니다.
방사선 모양으로 퍼지는 캐릭터는 끌어당기고 들여다 보면 캔버스의 방향에 따라 다양한 표정을 바꿉니다.
감상자가 머리 속에서 자유롭게 선을 연결하는 것으로 보이는 방법이 바뀌고, 하나의 것이 다방면의 해석에 의해 다양한 견해가 생기도록, 그림 속의 캐릭터도 포착하는 방법에 따라 다양한 표정을 만들어 낸다 합니다.
런던 예술 대학 센트럴 세인트 마틴스의 Foundation course, 첼시 컬리지 오브 아츠의 Graphic Design and Communication 학과에서 5년간 런던에서 아트 & 디자인을 배운다.
2019년부터 국내에서의 전시·수상력 다수.
타카야에게 있어서 회화란, 눈앞에 존재하는 파악할 수 없는 무한, 혹은 그 무한하게 반향한 생의 시간을, 자신의 지각이 썩기 전에 보관해 두기 위한 매체입니다.
존재의 뒤에 숨어 있는 심연을, 색채를 통해서 어떻게 형이하에 두는가?
그 탐구를 위해, 아티스트는 색채와 지각 실험을 반복하고 평면 표현을 자체적으로 시도합니다.
다카야 영원
미술가·화가. WHYNOT 주재.
1992년 도쿄도 출생. 현재 도쿄를 거점으로 활동. 유려한 선과 신비한 색채가 특징적인 회화는 공간, 시간, 존재에 대한 영역 횡단적인 고찰에 기초하여 제작된다. 타카야는 회화를 「존재란 무엇인가」를 묻는 형이상학적인 탐구로 자리매김하면서, 병행하여 가상 현실상에서의 실험적인 묘화 방법을 탐구. 2019년부터 아티스트나 미술 분야에서 활동하는 개인의 교류를 목적으로 한 아티스트 런 스페이스 WHYNOT을 주재. 지속적으로 미술을 통한 연대와 커뮤니티 형성에 임한다.
오쿠다 유타는 런던의 ISTITUTO MARANGONI에서 패션 디자이너 학사 학위를 취득한 후 세계적으로 유명한 일본 패션 브랜드 「TAKEO KIKUCHI」에서 패션 디자이너로 활약하고있었습니다.
TAKEO KIKUCHI를 퇴사 후, 아티스트로서의 활동을 개시. 섬세한 선과 흐림으로 꽃과 생물을 모티브로 한 음식 연쇄 등 자연의 아름다움을 그린 작품으로 알려져 있습니다.
또한 삶과 죽음, 아름다움과 창 등 상반되는 모티브의 조합도 주요 테마입니다.
2010년, ISTITUTO MARANGONI(영국 런던) 패션 디자인 석사 과정 졸업.
2012년~2016년 패션 브랜드 「TAKEO KIKUCHI」에서 디자이너로서 활동.
2016 - 퇴사 후 디자이너가 아닌 아티스트 "yutaokuda"로 활동을 재개.
2017년, 「yutaokuda」와 「달의 개구리」에 의한 아트 유닛 「yueru」를 결성.
당신의 마음을 떨리는 예술과의 만남
흥미가 있는 작품으로부터 자신이 좋아하는 것의 경향을 발견하거나, 수많은 작품을 보는 동안에 한눈에 반해하거나.
당신의 마음을 떨리는 "예술"의 힘이 여기에 있습니다.
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