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コンセプト

インタビュー：ヤロスラフ・クルバノフ 2011年

何が自分にとってのアートで、何がそうでないかをどのように定義しますか？

「私のアートに対する考え方、特に私のアートに対する考え方は、以下の点で定義されています。
まず第一に。
- 第一に、芸術作品には、現在のものであれ、歴史上のものであれ、アイデアがなければなりません。重要なのは、見る人を興奮させ、感覚を呼び覚まし、考察を促すものでなければならないということです。最近のアーティストは、芸術が喚起するはずの感情のパレット全体を、単純な衝撃や拒絶に置き換えようとすることが多い。

第二に。
- アーティストは、自分のアイデアを可能な限り最高の方法で表現するために、適切な素材、適切な技術と形を見つけなければなりません。どんなスタイルにも盲目的にこだわるべきではありません。特に、アーティストが達成しようとしている目的に合致しない場合はなおさらです。作品が第一であって、アーティストの個性は関係ない。そして、芸術作品は、それを作った人の文脈がなくても「機能しなければならない」のです。その人の人生や作品の苦労、道のりを知らなくても、作品は私たちに感動を与えてくれなければなりません。それらは全て「メインディッシュのスパイス」に過ぎないのです。 例えば、ピカソはその生涯において、自分に課した課題に基づいて、何度も芸術スタイルを急に変えています。そして、私たちは、彼の私生活や芸術生活のすべての状況を知らなくても、彼の作品におけるさまざまな時期に完全に安心しています。

第三に。
- 芸術作品はプロの手で行われなければならない。
私は、アマチュア的な実行方法を見るとイライラします。技術力のないアーティストの作品に面白い工夫がされているのを見ると、とても悔しい思いをすることがあります。私は21世紀を「ディレッタントの世紀」と呼んでいますが、彼らは芸術教育を必要としないと判断し、芸術空間全体を彼らの「創造物」で埋め尽くしています。しかし私は、技術や医学に限らず、芸術の分野でも教育は必要だと考えています。

あなたがアートに興味を持ったのは、どんな考えや思いからですか？

私の作品では、私個人にとって重要なテーマに触れています。古典文学や現代文学を読んでいると、100年前やそれ以前にも同じようなテーマが人々を悩ませていたことに気づきます。愛と憎しみ、信念と裏切り、恐怖と自制心、人の内面と外見の不一致、人に見せる「仮面」などです。これらのテーマには時間の影響がありません。これは、数年、数ヶ月、時には数日後には忘れ去られてしまう多くの日常的な感情とは異なる。スピリチュアルな価値観は、昔と同じように人々に関心を持たせ、昔と同じように同じ質問に対する答えを見つけようとします。私は誰なのか？自分は何者なのか、自分はどこへ行ったのか。人生の意味とは？幸せとは何か？幸せとは何か、愛とは何か。私たちの内なる世界は、これらの問いに対する答えを外の世界で見つけようと何度も何度も試みます。私のアートは、これらの質問に答えるための私の試みです。

現代のアーティストにとっては、例えば抽象的なスタイルで描く方がはるかに簡単で手っ取り早いのですが、なぜあなたは、現代社会の中で、どちらかというと伝統的なリアリズムのスタイルを選んだのですか？

技術的にも美学的にも課題となるのは、メインのアイデアを明確かつ完全に表現することであり、もしリアリズムがそれに適しているのであれば、非現代的であることを恐れる必要はありません。むしろ、私は自分のスタイルをリアリズムではなく、メタモダンと定義しています。メタモダンスタイルでは、リアリズムの制約を避け、視覚芸術の全領域をフルに活用し、あらゆる方法でそれらを組み合わせ、遊ぶことができます。
抽象芸術に取り組むアーティストたちは、しばしば形のことだけを考え、アイデアを持ちません。彼らは認識できるスタイルを探しているだけです。それはもはやアートではなくデザインです。インテリア、ソファ、カーテン、壁紙の色に合わせることだけを考えている、気にならないアートなのです。 私の考えでは、アーティストがアイデアを持たない場合、アイデアの欠如や技術の習得を隠すために、芸術の主な形態として抽象化を選択します。
しかし、芸術には極端な例もあります。芸術家が描くイメージを一般化したり、様式化したりできない場合です。その場合、彼は自分の手仕事のみを示し、「私が見たものは私が描いたものである」という原則に従って絵画を制作します。
つまり、本当の芸術とは、すべてのものの間の微妙なバランスをとることであり、それを言葉で表現することはしばしば不可能なのです。しかし、もしあなたがプロであり、「訓練された目」を持っているのであれば、何が本物で何が表面的なものなのか、記事や説明がなくてもわかるはずです。そしてそれは、どんなスタイルで作られているかは関係ありません。

あなたの作品には、しばしば二重のアンダートーンがありますが、これは意図的なものですか？

私の作品には、ほとんどいつもシンボルが使われています。なぜなら、アートは世界を直接映し出す鏡ではないからです。芸術の象徴性は、今も昔も、日常生活の中に存在するような単純で自然な形で象徴を認識する鑑賞者の上に成り立っています。しかし、それぞれの時代にはそれぞれの象徴の言語があります。18世紀の静物画は、同時代の人たちには物語を語ることができましたが、今の私たちにとってはただの物の集合体にすぎません。現代の芸術と現代の鑑賞者には、それぞれの時代を象徴するシンボルがある。

私は絵画の名前を通して、見る人に自分のシンボルを意識してもらうと同時に、作品で取り上げられているテーマに導いていこうとしています。私は、誰もが作品のアイデアを理解し、自分なりに解釈して発展させていくものだと信じています。私は、自分の意見を見る人に押し付けたいとは思いません。人は誰でも、自分を取り巻く世界について自分なりの見方を持っています。このようにして、作品と鑑賞者の間には無言の対話があるのです。

鑑賞者が日常の心配事や慌ただしさから気をそらし、永遠のテーマについて数分でも考えてくれれば、私のアートは目的を果たしたと言えるでしょう。